Fotografia soviética dos anos 30. Belas artes soviéticas

Isso não é trabalho de fotógrafos profissionais que podem ser acusados \u200b\u200bde serem unilaterais. Estas são fotos de álbuns privados - a vida real que o cidadão soviético comum vivia nas décadas de 1920 e 1950.
Claro, eles não podem ser comparados com o nível de trabalho dos fotojornalistas profissionais, a maioria deles foi feita por amadores. Mas eles refletem a vida como essas pessoas a viram e conseguiram preservá-la parcialmente nas fotos de família ...
Há muita coisa deixada nos bastidores. Por exemplo, programas educacionais, onde se ensinava a ler e escrever 80% da população analfabeta do país - de onde os camponeses daquela época conseguiam câmeras? Mas não é isso. Veja o que rodeava o povo soviético daqueles anos, as roupas, os rostos que refletem sua época. Às vezes, eles falam sobre seu tempo melhor do que qualquer historiador, propagandista e analista.

Crianças de 20 anos
Livros escolares - pela primeira vez na minha vida. Pela primeira vez no mundo, a educação para todos foi ministrada pelo Poder Soviético.


1926 Cherepovets. Comemoração de 1º de maio
Perto da tribuna das crianças de rua - as consequências da Civil. A falta de moradia será eliminada apenas no início dos anos 30.


1928 anos. Região de Krasnoyarsk. Congresso dos Trabalhadores do Partido.
Veja como se vestem os trabalhadores partidários - exatamente como as pessoas comuns naquela época.
Na década de 20, nem todo mundo usava terno. E os festeiros traziam 2 túnicas, ou mesmo uma, no guarda-roupa usual.


Celebração de família, 20-30s

Foto de uma mulher. 1930 Moscou


Um grupo de pessoas 1930. Local desconhecido


Conselho da aldeia mais cedo. 30's. Distrito de Pavlo-Posad, região de Moscou


Car on the Wood (!) Car run 1931
Designers entusiastas dos anos 30. Naquela época, não era muito bom com petróleo na URSS - quase todas as reservas exploradas estavam concentradas no Cáucaso. Os campos petrolíferos de Tataria e Sibéria foram descobertos apenas nos anos 40-50, quando foi criada uma base para levantamentos geológicos. Antes, faltava muito no país geólogos, equipamentos, engenheiros, transporte ... praticamente nada. Tudo isso foi criado na década de 30.


1931 A melhor equipe na construção da colheitadeira metalúrgica de Kuznetsk, Novokuznetsk.
A base para a indústria pesada está sendo lançada.
Não olhe para os rostos dessas pessoas. Eles, não se poupando, construíram fábricas e cidades para seus descendentes, para nós. Em 10 anos, eles defenderão o que fizeram na guerra mais terrível da história da humanidade, morrendo para que vivamos. E permitimos que tudo isso fosse roubado e destruído. Podemos olhar nos olhos deles?


Uma família. Leningrado 1930-31
A intelectualidade e os especialistas daqueles anos ganhavam muito dinheiro.


Descanse na água. Região de Kirov 1932 - 1936


18 de abril 1934. "Brigada Operária". Neverovo-Sloboda agrícola artel "O Testamento de Lenin" S. Neverovo-Sloboda Ver.Landekh. distrito Shuisk. env.
Trabalhadores agrícolas em uma província remota da Sibéria. Um artel é uma organização não governamental, mas uma cooperativa de empresários unidos que celebraram acordos com o estado e outras cooperativas, pagaram impostos, etc.
O movimento cooperativo foi extremamente desenvolvido na URSS stalinista. Além das fazendas coletivas, que eram organizações cooperativas, havia então mais de 114.000 oficinas industriais, empregando cerca de 2 milhões de pessoas. Eles produziram quase 6% da produção industrial bruta da URSS em sua composição: 40% de todos os móveis do país, 70% de todos os utensílios de metal, 35% de malhas, quase 100% de brinquedos.
Nos artels rurais cooperativos, os trabalhadores (tanto os agricultores coletivos quanto os agricultores individuais) geralmente trabalhavam em meio período. Eles incluíram na década de 30 até 30 milhões de pessoas.
O movimento cooperativo na URSS foi destruído por Khrushchev simultaneamente com o desenvolvimento da histeria anti-stalinista.

Excursão de 1934 ao longo da Rodovia Militar da Geórgia
Você pode imaginar um trabalhador na Rússia czarista que fez uma viagem de turismo às custas do governo? Como disse H. Wells, este é o único país do mundo onde música clássica é tocada para trabalhadores.

"Depois do banho" Meados dos 30 anos.
“Povo soviético assustado. »© Veja se há medo nesses rostos? Em qualquer uma das fotos. Rostos abertos, otimistas e brilhantes.


Agricultores coletivos. Região de Kirov entre 1932 e 1936
Fazendeiros coletivos soviéticos comuns na produção de feno.


Distrito de Kolomensky. Meados dos 30 anos.


1935, região de Oryol, casa de repouso "Bogdanovsky".
Todo o país se dedicou ao esporte. Essas são garotas soviéticas comuns, não o time de ginástica. Tente repetir o que eles estão fazendo.

Alunos da escola pedagógica, 1935, região de Kirov
O formulário foi entregue aos alunos pelo Estado Soviético. Este é um país que há alguns anos andava de sandálias e não sabia ler e escrever.


Jovens dos anos 30, região de Kirov.
Crachás - as normas do TRP (Pronto para o Trabalho e Defesa) e GTSO (o mesmo, mas sanitário) foram aprovadas. Naqueles anos, era absolutamente necessário que um menino que se preze recebesse tal distintivo. Uma pessoa era valorizada por qualidades pessoais, e não pela carteira e conexões dos pais. Aqueles que usaram conexões foram desprezados.
Essas pessoas vencerão a guerra em poucos anos, construirão uma potência mundial quase do zero e lançarão um homem ao espaço.
Preste atenção aos rostos adultos contidos e obstinados desses meninos - eles têm cerca de 16 anos. E compare-os com os atuais.


O jogo "Banco Pioneer". Campo de pioneiros 1937
Todas as crianças podiam ir quase de graça durante todo o verão para o acampamento de pioneiros, onde eram criadas, treinadas e educadas. Nos países ocidentais, isso ainda é impossível de sonhar. E isso é comum entre nós desde os anos 30.


Snowmobile no gelo do Volga na ponte Kanavdinsky. Meados dos 30 anos.
Alta tecnologia daqueles anos. Eles desempenharam um papel importante no desenvolvimento de tecnologias de aviação e foram amplamente utilizados no desenvolvimento das guerras do Norte, da Finlândia e da Patriótica.

Vera Voloshin, 1 de outubro de 1941. Dois meses depois, 29 de novembro, esta extremamente garota linda irá morrer.
Escultura de oito metros Menina com remo do notável escultor Ivan Shadr (Ivanov), a modelo era a maravilhosa atleta soviética Vera Voloshina, que desapareceu em novembro de 1941 durante uma operação de sabotagem atrás das linhas inimigas.
Um mês antes de sua morte, a escultura foi destruída por uma bomba alemã. Apenas um quarto de século depois, os detalhes de sua morte foram conhecidos - ela foi gravemente ferida ao retornar de uma missão, capturada pelos alemães e, após longa tortura, foi enforcada na floresta. Isso aconteceu a 10 km do local da morte de Zoya Kosmodemyanskaya, no mesmo dia. Vera Voloshin, que realizou o mesmo feito, foi uma organizadora do Komsomol do grupo de reconhecimento e sabotagem Komsomol, que incluía Zoya.
Vera também era uma excelente pára-quedista e o escultor, meio a brincar, disse que a tinha encarregado especialmente de olhar para a torre do paraquedas.


Estudantes de geologia 1937


O assunto da foto fica claro na legenda acima. Preste atenção - quase todos os meninos têm crachás TRP. Ser um membro distrófico do Komsomol era simplesmente selvagem. Membros do Komsomol e comunistas podem ter armas pessoais.


Família Ordinária de Moscou 1939-1940


1939 ano. Khakassia. Vila
As bicicletas na Terra dos Soviéticos tornaram-se comuns - quase todos podiam pagar por elas e seus filhos. No Ocidente, por exemplo, nem todos podiam comprar uma bicicleta naquela época. Iniciou-se o plano quinquenal de bens de consumo, executado com muito sucesso. O padrão de vida do povo soviético aumentou rapidamente de 1939 ... até 22 de junho de 1941.

1942, dois meses depois, ele morrerá nas batalhas perto de Vyazma.

Nas ruínas da casa nativa 1942. Região de Moscou.


Juramento. 1944


1947 Escola rural na região de Vologda.
Nas fotos dos primeiros anos após a guerra, até os rostos das crianças mostram traços de forte estresse e vida difícil. Os vestígios da guerra são visíveis nos rostos humanos mesmo no início dos anos 50 e depois desaparecem gradualmente, e os rostos das crianças de 10 anos deixam de ser adultos não infantis.
Quase todos eles perderam ou feriram gravemente alguém próximo a eles, se não de sua família, pelo menos de amigos, suas famílias, colegas de classe. Para muitas delas, suas mães permaneceram viúvas.


Country Boys 1947


4 Aula "A", final de outubro de 1948, uma vila perto de Smolensk.


"Trinity, 1949". Região de Kirov
Nos últimos 20 anos, "todos sabem" que os rituais religiosos na URSS eram estritamente proibidos e o terror era especialmente violento durante a época de Stalin. Como temos a certeza: acabar com a sepultura, enfeitar uma árvore de Natal - e marchar em coluna até o Kolyma. E foi assim.


Turma de 1950. Uma das escolas de Moscou.


"Camping" - final dos anos 40 - início dos anos 50


No balcão da instituição. 1949, região de Kirov


Feriado da Revolução de Outubro. 50 anos


Escritório Editorial do Jornal Local. Ouça as notícias. Região de Vladimir, no início. decada de 50


Residentes de Kaunas 1950


Estudante, 50 anos.

Homem jovem. Ufa, 1953.


Village Boys, der. Chupakhino, região de Oryol Ano de 1953
Uma vez na TV disseram que o “zíper” apareceu na URSS apenas na década de 60, tanto que ficou atrás dos “países civilizados” em bens de consumo. Eu quis dizer, "por que precisamos de espaço se não podemos fazer relâmpagos." Aparentemente, o cara do lado esquerdo da foto removeu a pele do americano morto.


1954. Pronto para Trabalho e Defesa. Entrega das normas TRP.

"Nadia" - meados dos anos 50, Moscou
A guerra não se reflete mais em seus rostos, eles se tornam despreocupados e travessos. Crianças que tentaram "engordar" melhor nos anos 50, após os anos de fome da guerra.

Riga-50s.

Na colisão da sociedade "Dínamo" 1955


Em um apartamento novo. Trabalhador de pessoal da fábrica "Outubro Vermelho" Shubin A.I. Moscou, Tushino, 1956


Boys, Kolomna, 1958.


Kislovodsk. Cerimônia de beber água mineral. Ano de 1957. Autor - Javad Bagirov


Apartamento em Kiev 1957

Baku, caminhe cansado. 1959 Autor - Javad Bagirov


Aparelho para venda de perfumes e colônias. 50º
Desde a década de 50 era possível usar perfume ou colônia em si mesmo nas grandes lojas. Custou 15 copeques antes da “reforma Khrushchev”.

Ivanova Anna, aluna da 9ª série, escola secundária №380

Esta obra contém uma descrição do período, as principais tendências e direções da pintura soviética dos anos 20-30 do século XX.

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Legendas do slide:

Na década de 1920, surgiram as associações "Genesis" e "KNIFE" (Nova Sociedade de Pintores). Os artistas utilizaram as técnicas do primitivismo, priorizando paisagens e naturezas mortas. A Sociedade das Quatro Artes (1924-1931) apareceu, que incluía, além de pintores (P. Kuznetsov, A. Kravchenko, Sorin, etc.) e escultores (Mukhina, Matveyev), arquitetos (Zholtovsky, Shchusev, Shchuko, etc.) . As Quatro Artes se opuseram fortemente ao vanguarda. Makovets (1921–1926) não é apenas uma associação, mas também uma revista com o mesmo nome. A associação incluiu L. Zhegin, N. Chernyshev, V. Favorsky, A. Fonvizin, A. Shevchenko, S. Gerasimov.

Em nome da vanguarda russa, havia “Endurecedores da Nova Arte” - UNOVIS (1919-1920), que se estabeleceu primeiro em Vitebsk (Malevich, Chagall, Lissitzky, Leporskaya, Sterligov, etc.), e depois se espalhou para outras cidades. Em 1923, foi criado em Petrogrado o GINHUK (Instituto Estadual de Cultura Artística). O INKHUK existe em Moscou desde 1920. No início, Kandinsky foi o seu presidente, seguido por Rodchenko, depois Osip Brik. Membros da UNOVISA e INHUK eram fortemente agressivos em relação à arte tradicional do passado e pregavam a "criatividade coletiva comunista".

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Legendas do slide:

Lazar Lissitzky, "Eles Voam de Longe para a Terra" Anna Leporskaya, "Mulher Camponesa no Campo" Kazimir Malevich, "O Camponês"

Fenômenos diversos e contraditórios da cultura russa no início do século 20: simbolismo, cubismo, construtivismo, rayonismo, suprematismo, futurismo, cubo-futurismo.

Os simbolistas tentaram expressar a experiência espiritual e as experiências emocionais em imagens visuais. Supunha-se que o simbolismo "revestia uma ideia na forma de um sentimento". Vrubel, "O Demônio" Borisov-Musatov, "May Flowers"

O cubismo é um movimento modernista nas artes visuais (principalmente na pintura) que teve origem no 1º quartel do século XX. O surgimento do cubismo é atribuído a 1907. Lentulov, "Paisagem com um portão amarelo" Chagall, "Eu e a aldeia"

O construtivismo é um estilo de pintura criado pela primeira vez na Rússia em 1913, quando o escultor russo Vladimir Tatlin, durante sua viagem a Paris, viu as obras de Braque e Picasso. Quando Tatlin voltou para a Rússia, ele começou a criar obras semelhantes. Eles se tornaram o início do construtivismo, que tinha um olhar especial contra o pano de fundo da arte da época. Alexander Radchenko Lyubov Popova

O raionismo é a direção da pintura da vanguarda russa, uma das primeiras direções do abstracionismo. Baseia-se na mudança do espectro de luz e na transmissão da luz. Acreditava-se que uma pessoa percebia não o objeto em si, mas "a soma dos raios vindos da fonte de luz, refletidos do objeto e caindo em nosso campo de visão". Os raios na tela são transmitidos por linhas coloridas Mikhail Larionov, "Glass" Romanovich, "Lilies in the Pond"

Os futuristas erigiram certo protótipo do futuro por meio da destruição de estereótipos culturais. Eles eram uma aparência de revolucionários na arte, já que o objetivo era uma renovação geral da ideologia e da perspectiva ética de todos os antecessores. Goncharova, "Salt Pillars" Exter, "Wine"

O realismo nos primeiros anos da revolução tem uma "coloração" diferente no trabalho de diferentes artistas: simbólico - em Kustodiev, Yuon, Konenkov, agitação - em Chekhonin, romântico - em Rylov. Konenkov Chekhonin

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Legendas do slide:

Pintura soviética dos anos 20-30 do século XX. Interpretada por uma aluna da 9ª série, escola secundária nº 380 Ivanova Anna

Rylov, "No espaço azul"

Foram publicados em grandes edições em vários idiomas nacionais e, portanto, penetraram nos cantos mais remotos do país. Assim, o primeiro pôster da editora do Comitê Executivo Central para toda a Rússia "Tsar, sacerdote e kulak" (1918) saiu em 10 idiomas ao mesmo tempo. O laconicismo da linha, silhueta, cor, inscrições, o primitivismo da linguagem contribuíram para a clareza rápida do que estava representado no cartaz, sua orientação aguda de propaganda. O pôster foi colocado à disposição de analfabetos e analfabetos, convocando o combate ao inimigo de forma compreensível para todos.

Assim, a pintura na década de 20-30 na União Soviética começou a ser controlada pelas autoridades, mas sociedades também operavam onde os artistas traziam novas ideias, ideias, tentavam transmitir sua visão do que está acontecendo no país e no mundo para todo o mundo.

Esta seção apresenta pintura artistas soviéticos, pinturas de vários gêneros são coletadas: aqui você pode encontrar paisagens e naturezas mortas, retratos e cenas de vários gêneros.

No momento, a pintura soviética se tornou muito popular, tanto entre os profissionais como entre os amantes da arte: várias exposições e leilões são organizados. Em nossa seção de pintura soviética, você pode escolher um quadro não apenas para decoração de interiores, mas também para uma coleção. Muitas obras da era do realismo socialista têm significado histórico: por exemplo, as paisagens da cidade preservaram para nós a aparência perdida de lugares familiares desde a infância: aqui você encontrará vistas de Moscou, Leningrado e outras cidades da ex-URSS.

De particular interesse são as cenas de gênero: como os cinejornais documentais, eles registram as peculiaridades da vida de uma pessoa soviética. Os retratos dessa época também transmitem de forma notável o clima da época, falam sobre pessoas de várias profissões e destinos: aqui estão os trabalhadores, os camponeses, os líderes militares e, claro, os líderes do proletariado. Os retratos infantis da era do realismo socialista são uma personificação direta do conceito de "infância feliz". O local também apresenta amplamente o gênero de paisagem industrial típico da arte soviética.

Nossos especialistas irão ajudá-lo a escolher uma pintura adequada ou a vender obras de sua coleção em nosso site.

Na categoria de antiguidades "Belas Artes Soviéticas" existem mais de 2 mil diferentes obras de mestres do período da revolução de 1917 a 1991. O pensamento ideológico oficial exerceu grande influência sobre os idealizadores desse período, o que se reflete em muitas das obras temáticas apresentadas neste catálogo. A arte se tornou mais próxima do homem comum, como evidenciado pelos retratos exclusivos de trabalhadores comuns, pioneiros e membros do Komsomol. Essas obras são apresentadas pela loja de antiguidades em suas páginas.

O tema militar tornou-se uma área separada da arte inventiva soviética. Essas antiguidades são valiosas não só pela técnica de execução, mas também pela própria história, exposta na tela. O custo de cada tela é determinado individualmente, dependendo dos seguintes fatores importantes:

• sua singularidade de enredo;
• área temática;
• a técnica de escrita escolhida e sua qualidade de execução.

"Compre uma pintura" oferece aos usuários uma oportunidade única de comprar antiguidades daquela época a preços acessíveis. As fotos transmitem perfeitamente os sentimentos e experiências de um soviético, refletindo sua vida cotidiana. A atenção do usuário é apresentada com antiguidades retratando os grandes dirigentes da URSS, cartazes com slogans conhecidos em todo o país, naturezas mortas, ilustrações de livros, obras gráficas e, claro, belas paisagens de várias partes do estado soviético.

No antiquário você pode encontrar pinturas tradicionais da época. Muitos artistas soviéticos trabalharam no gênero do realismo, e a partir dos anos 60 a direção do "estilo severo" tornou-se popular. Naturezas-mortas sobre vários temas também eram muito populares. Essas antiguidades também são apresentadas no site, e você pode ver todas as ofertas.

É importante notar que os cartazes sobre temas políticos se tornaram um tipo distinto de arte visual do período soviético. Eles desempenharam um importante papel social e ideológico. Essas antiguidades sobreviveram até hoje, alguns exemplos são apresentados na categoria correspondente "Compre uma pintura". As belas paisagens de eminentes mestres soviéticos são de tremendo valor artístico e adornam as melhores galerias russas da atualidade. No catálogo você pode encontrar suas reproduções e fazer uma compra.

Na década de 20. uma série de tendências artísticas manteve a continuidade com a arte russa

moderno e vanguardista - em grande parte devido ao fato de que os mestres do início do século continuaram trabalhando. Por outro lado, as funções da arte na sociedade tornaram-se cada vez mais diversificadas. Surgiram novos tipos de atividade artística: cinema, publicidade, design.

As disputas ativas eram entre “artistas de cavalete” (apoiadores das formas de arte de cavalete) e “trabalhadores da produção”, ou construtivistas, cujas atividades visavam melhorar o ambiente objetivo ao redor de uma pessoa. O início do movimento construtivista está associado à Sociedade de Jovens Artistas de Moscou (OBMOKHU), organizada em 1919 por Konstantin (Kazimir Konstantinovich) Medunetsky (1899-1935) e os irmãos Stenberg - Vladimir Avgustovich (1899-1982) e Georgy Avgustovich (1900-1933). Nas exposições da OBMOKHU, os artistas demonstraram principalmente estruturas tridimensionais - no espaço e no plano. Se nas composições suprematistas de Kazimir Malevich o sentimento pictórico direto era de maior valor, então as obras de OBMOKHU pertenciam ao campo do design. Eles eram fáceis de usar no design de uma peça ou livro, em um pôster e na fotografia.

El Lissitzky (nome verdadeiro Lazar Markovich Lissitzky, 1890-1941) chamou suas obras de "prouns" - "projetos para a aprovação do novo". Segundo o autor, eram "uma estação de transferência da pintura para a arquitetura". Alexander Mikhailovich Rodchenko (1891 -1956) "desenhou" livros, criou cartazes publicitários, desenhou móveis e roupas e se dedicou à fotografia.

Para formar artistas - engenheiros e designers capazes de projetar produtos industriais, as Oficinas Técnicas e Artísticas Superiores (VKHUTEMAS) foram criadas em Moscou em 1920. Os workshops reuniram várias faculdades: arquitectónica, gráfica (gráfica e gráfica impressa), transformação de metais e madeira, pintura, cerâmica, escultura e têxtil. Durante os primeiros dois anos, os alunos tiveram que compreender as leis de modelagem comuns à arte e, então, deveriam se especializar em um corpo docente.

Em 1926, o VKHUTEMAS de Moscou foi transformado em VKHUTEIN - o Instituto Superior Artístico e Técnico. (Desde 1922 o VKHUTEIN já existia em Leningrado em vez da Academia de Artes.) Em 1930, o VKHUTEIN foi fechado, suas faculdades tornaram-se institutos separados - impressão, têxtil, etc.

Quanto à pintura, já na década de 20. os críticos notaram sua "virada para o realismo". Por realismo, eles queriam dizer, em primeiro lugar, um interesse pela representação (em oposição à abstração), na tradição da pintura clássica. O apelo aos clássicos também pode ser explicado pelas exigências da ideologia: a arte do Estado soviético foi chamada a usar as melhores conquistas da cultura mundial. Isso determinou a busca por formas claras e distintas do "grande estilo".

A Associação de Artistas da Rússia Revolucionária (AHRR), fundada em 1922 (desde 1928 - a Associação de Artistas da Revolução, AHR), substituiu em parte os Itinerantes. A própria Associação de Exposições de Arte Itinerantes encerrou suas atividades um ano depois, e muitos Itinerantes - entre eles, em particular Abram Efremovich Arkhipov, Nikolai Alekseevich Kasatkin - tornaram-se membros da AHRR. Em vários momentos, a Associação incluiu Sergei Vasilyevich Malyutin (1859-1937), Alexander Mikhailovich Gerasimov (1881-1963), Boris Vladimirovich Ioganson (1893-1973), Mitrofan Borisovich Grekov (1882-1934), Isaac Izrailevich Brodsky (1883-1939 ) e outros artistas.

Esses mestres estavam unidos por uma orientação ideológica comum. Eles insistiram em criar uma narrativa, um gênero de arte que fosse compreensível para as pessoas e refletisse com veracidade a realidade. A Associação publicou a revista "Art to the Masses" e esteve ativamente envolvida em exposições.

Os nomes das exposições falam do tema das obras dos artistas da AHRR: "The Life and Life of Workers" (1922), "The Red Army" (1923), "Revolution, Life and Labour" (1925) ), etc. Seus trabalhos definiram os conceitos de "documentário artístico" e "realismo heróico", considerando a pintura como evidência histórica, como uma crônica da época.

Neste espírito, as telas de Grekov sobre os temas da Guerra Civil, pinturas "Vladimir Ilyich Lenin em Smolny" (1930) de Brodsky, "Retrato de D. A. Furmanov" (1922) de Malyutin foram escritas. A associação durou até 1932.

Em 1925, os graduados da oficina de David Petrovich Shterenberg (1881 - 1948) em VKHUTEMAS formaram a Sociedade de Cavalheiros (OST). Eles se uniram como apoiadores da arte de cavalete - em oposição aos "trabalhadores da produção". No entanto, o trabalho dos Ostovites não pode ser considerado cavalete no sentido estrito da palavra. Os membros da OST estavam envolvidos em pinturas monumentais e pôsteres, livros decorados, apresentações teatrais.

Alexander Alexandrovich Deineka (1899-1969) inicialmente trabalhou como artista gráfico de revistas, passou pela escola de V. A. Favorsky, e mais tarde conseguiu "estender" os princípios do design de páginas de livros (revistas) para decorar a parede. Nas pinturas monumentais e decorativas de 1928 “No canteiro de novas oficinas” e “Defesa de Petrogrado” o artista distribui, “reúne” manchas claras e escuras, parecem recortadas e coladas umas às outras. O fundo branco da "Defesa de Petrogrado" no corredor da Galeria Estatal Tretyakov funde-se com a parede, penetra nela, e apenas o esqueleto "metálico" da imagem permanece.

Composição de Yuri Ivanovich Pimenov (1903-1977) "Dê-nos a indústria pesada!" (1927) existe em duas versões - uma foto e um pôster, e neste último caso é a mais orgânica.

Artistas OST participaram de mostras internacionais, inclusive na Alemanha. A influência da arte alemã - expressionismo e "Nova Materialidade" - se refletiu nas obras gráficas e de pintura de Alexander Grigorievich Tyshler (1898-1980), Alexander Arkadyevich Labas (1900-1983) e outros artistas.

Em 1931 a Sociedade de Artistas de Cavalete cindiu-se em duas associações - OST e Isobrigada, e em 1932 deixaram de existir.

Na década de 20-30. a gráfica tornou-se cada vez mais importante: ilustração de livro, desenho, gravura - arte destinada à replicação, acessível às massas, dirigida diretamente às pessoas. Ilustradores destacados Alexey Ilyich

Kravchenko (1889-1940) E Vladimir Andreevich Favorsky (1886-1964) trabalhou principalmente na técnica de xilogravura - xilogravura. Favorsky foi professor no VKHUTEMAS-VKHUTEIN, e desde 1930 - no Instituto Poligráfico de Moscou. Ele se esforçou para um design sintético do livro, quando todos os elementos artísticos - ilustrações de enredo, headpieces e fontes - compõem um único conjunto figurativo e estilístico. Vladimir Mikhailovich Konashevich (1888-1963) e Vladimir Vasilyevich Lebedev (1891 - 1967) dedicam seu trabalho à ilustração de livros infantis. Em 1932, foi emitido um decreto sobre a dissolução de todos os grupos artísticos e a criação de um único Sindicato dos Artistas da URSS. Agora, apenas o estado poderia fazer pedidos, organizar exposições temáticas em grande escala dedicadas à indústria socialista; enviou artistas para pintar projetos de construção de todos os sindicatos e retratos de trabalhadores de choque da produção.

Críticos e pesquisadores consideram a arte dos anos 30. como um período neoclássico. Eles discutiram sobre os clássicos, eles os usaram ativamente. A paixão por exemplos de arte do passado floresceu, enquanto o estudo independente da natureza ficou em segundo plano.

Os mais eminentes mestres do realismo socialista dos anos 30. eram os ex-Akhrovites A.M. Gerasimov e B.V. Ioganson. Gerasimov em seus retratos-pinturas cerimoniais de 1938 “I. V. Stalin e K. Ye. Voroshilov no Kremlin "," Retrato da bailarina O. V. Lepeshinskaya "atinge um efeito quase fotográfico. As obras de Johanson "Interrogation of the Communists" (1933) e "At the Old Ural Factory" (1937) continuam a tradição dos Itinerantes. O artista às vezes os "cita" diretamente em imagens separadas.

Poucos artistas trabalharam por conta própria, isto é, fora das regras do realismo socialista. Entre eles estão Alexander Davydovich Drevin (Drevinsh, 1889-1938) e Mikhail Ksenofontovich Sokolov (1885-1947), que no íntimo, as obras de câmara se limitam a uma certa gama de temas pictóricos. Ambos os mestres foram reprimidos durante os anos de terror stalinista.

No início dos anos 40. a pressão das autoridades sobre os artistas aumentou. O Museu de Arte do Novo Oeste foi fechado, onde foram exibidas as obras dos impressionistas - Paul Cézanne, Henri Matisse e outros mestres da segunda metade do século 19 - início do século 20.

Durante a Grande Guerra Patriótica de 1941-1945. O mais desenvolvido foram os gráficos replicados em massa e, acima de tudo, o pôster.

Exposição “Artistas de Moscou. 1920-1930 ”, organizado pela organização moscovita da União dos Artistas da RSFSR e da União dos Artistas da URSS, apresenta ao espectador um panorama da vida artística de Moscou nas duas primeiras décadas pós-revolucionárias.

A exposição exibe pinturas, gráficos, esculturas das coleções dos artistas mais antigos de Moscou, seus herdeiros e colecionadores.

Nosso tempo de repensar profundamente a história do país, sua cultura e arte exige estudar o passado sem algemas e estereótipos, com o único propósito de conhecer a verdade. A exposição oferece essa oportunidade, mostrando uma ampla gama de idéias pictóricas e plásticas, uma variedade de direções criativas. Apresenta obras de artistas notáveis \u200b\u200be distintos que durante muito tempo foram desconhecidos de um vasto público e, por vezes, até de um especialista. As obras de M. B. Verigo, L. N. Agalakova, M. F. Shemyakin, M. V. Lomakina, D. E. Gurevich, N. I. Prokoshev e muitos outros artistas imerecidamente esquecidos ocupam um lugar digno na exposição ao lado das obras de pintores, artistas gráficos e escultores famosos.

Esta exposição dá continuidade ao estudo da arte de Moscou, iniciado por exposições dedicadas aos 30 e 50 anos da União de Artistas de Moscou da RSFSR.

Despertado em últimos anos o interesse pela vanguarda russa levou a extensas exposições fundamentais e exposições individuais de mestres notáveis. Esta exposição está ligada a isso de muitas maneiras e deve ser vista no contexto de várias mostras que iluminam a arte dos primeiros anos após a revolução.

Durante séculos, Moscou foi o centro cultural e espiritual do país. Ela não é apenas a guardiã de tradições, mas também a pátria últimas ideias na arte do início do século 20, associada à rebelião brilhante e ousada do Valete de Ouros, à criatividade dos criadores das últimas tendências do Cubo-Futurismo, Suprematismo e Rayonismo. Em Moscou na década de 1920, uma velha de cabelos grisalhos ainda vivia, preservada na arquitetura e no estilo folclórico. E, ao mesmo tempo, foi aqui que S.I.Schukin e I.A.Morozov reuniram as primeiras colecções do país da mais recente pintura europeia. Em Moscou, as questões culturais e artísticas mais importantes da época manifestaram-se de uma forma concentrada especial e, ao mesmo tempo, os fenômenos mais diversos adquiriram um sabor peculiar de Moscou. Tudo o que aconteceu em Moscou se refletiu na arte de todo o país. Como um centro de arte em toda a sua singularidade e originalidade, Moscou ainda não foi suficientemente estudada.

Não temos informações completas sobre muitos eventos importantes daqueles anos que influenciaram direta ou indiretamente a cultura e a arte, e de fato estamos no início da criação da história da arte soviética, quando ainda há muito para coletar e descobrir. . Mas é necessário estudar a arte de Moscou, e isso deve ser feito imediatamente, não só para os contemporâneos, mas também para o bem das gerações futuras, que não nos perdoarão por negligenciarmos o patrimônio inestimável que ainda temos em nossas mãos. O tempo é inexorável, apaga os vestígios de épocas anteriores, destrói monumentos de arte, espalha as obras de artistas em colecções privadas, por vezes desconhecidas, e mesmo que vão a museus do país, tornam-se de difícil acesso. Com o tempo, será cada vez mais difícil recriar o quadro completo da vida artística de Moscou, para restaurar seu potencial criativo único, que nasceu no início do século 20, recebeu um desenvolvimento brilhante na década de 1920 e, gradualmente desaparecendo, ainda existia na década de 1930.

Naturalmente, um tema tão vasto, quase imenso como a vida artística de Moscou não pode se esgotar em uma única exposição, especialmente porque abrange apenas um pouco mais de duas décadas. Alguns fenômenos são mostrados de forma mais completa, outros são apenas fragmentários. Os destinos dos próprios artistas e de suas obras não foram os mesmos. O legado de alguns foi cuidadosamente preservado, criado por outros apenas trabalhos esparsos e, às vezes, um ou dois, acidentalmente sobreviveram no difícil destino do artista. Um panorama da vida artística de Moscou, necessário para a introdução a uma grande e multifacetada exposição, não pretende ser exaustivo. Ele apenas descreve os principais marcos, destacando os fenômenos brilhantes e característicos de Moscou.

Uma das primeiras ações dos artistas de Moscou após a revolução foi a participação na salvação de obras de arte e da antiguidade. Este trabalho reuniu mestres de diversos grupos e tendências. Eles participaram da proteção do Kremlin, onde enormes tesouros artísticos e de estado foram concentrados durante a Primeira Guerra Mundial (a coleção de l'Hermitage, reservas de ouro, etc.). Estavam empenhados no registo de valores artísticos e históricos detidos por particulares, procuravam e levavam para depositários estatais obras de arte de várias épocas, arquivos que podiam perecer. O trabalho exigia dedicação, demandava muito tempo e esforço e, às vezes, apresentava risco de vida. Figuras culturais e a intelectualidade de Moscou mostraram grande atividade e cidadania.

No final de 1917, a fim de preservar o patrimônio, surgiu a ideia de criar uma Acrópole de arte russa no Kremlin para reunir bibliotecas, museus e arquivos fora de seus muros. A ideia foi calorosamente apoiada pelo público de Moscou. Mas a mudança em março de 1918 do governo de Petrogrado para Moscou e a transformação do Kremlin em residência do governo não tornaram essa ideia possível.

Por iniciativa de personalidades culturais e educacionais dos primeiros anos da pós-revolução, foram criados em Moscou os chamados museus proletários, muitos dos quais localizados na periferia da cidade. Por vezes, baseavam-se em colecções de arte inteiras nacionalizadas, por exemplo, o Museu A. V. Lunacharsky inaugurado na mansão do coleccionador I. Isadzhanov, onde foram expostas as obras dos artistas do "Valete de Diamantes" da sua colecção. As coleções de outros museus, compostas por diferentes coleções e exposições dispersas, eram muito diferentes em qualidade. Segundo a ideia dos organizadores, esses museus deveriam levar cultura às massas, introduzi-las à arte. Essas tarefas estavam intimamente relacionadas com as ideias de uma profunda transformação cultural e artística da sociedade, tão relevantes na época. Em 1919, por iniciativa de artistas, foi criado em Moscou o primeiro Museu da Cultura Pitoresca do país. Eles próprios elaboraram uma lista, segundo a qual o Estado adquiriu as obras de artistas russos de todas as correntes esquerdistas do início do século. No futuro, deveria desenvolver a exposição e complementar o acervo com obras de todos os tempos e povos. O museu durou até o final da década de 1920 e foi uma importante escola de artistas, um clube de discussão, um laboratório de pesquisa e criação. Muitos outros museus continuaram a existir em Moscou, tanto estatais como privados, abertos a todos os visitantes, com uma variedade de exposições que vão desde a arte russa antiga à pintura ocidental moderna.

Uma das primeiras páginas da arte soviética, assim como da vida artística de Moscou, foi a participação de artistas na arte de propaganda em massa, criando um pôster revolucionário e decorando cidades para as festividades. Mestres de quase todas as direções estiveram envolvidos neste trabalho. Frágeis e de vida curta, essas obras são propriedade de arquivos, museus e bibliotecas. Apenas alguns deles são mostrados na exposição, mas também dão uma idéia dessa esfera de atividade dos artistas (pôsteres de V.A. e G.A.Stenberg, G.G.

A vida artística de Moscou deve muito sua singularidade, variedade de idéias e ousadia multifacetada ao período pré-revolucionário. Nos primeiros anos do poder soviético, avançou como que por impulsos da era anterior, completando de novo tudo o que nasceu da revolução espiritual do início do século XX.

A necessidade de união era uma tendência da época e era característica não só dos artistas russos, mas também europeus. Eles criaram grupos de pessoas afins para formular programas criativos, organizar exposições, defender suas ideias em debates acalorados.

Em Moscou, de 1917 a 1932, havia mais de 60 associações de diferentes naturezas, composições e durabilidade. Alguns deles surgiram no período pré-revolucionário, depois tomaram forma em uma nova sociedade, a partir de novas ideias. Mas o mais importante, tudo se encaixa no espaço da vida artística de Moscou, encontrou seu lugar e determinou seu polifonismo especial.

A luta de ideias na arte era complexa e multidimensional. Por um lado, o confronto entre realistas e artistas de vanguarda continuou, que negou o realismo como a única tendência verdadeira. Em homenagem aos grandes mestres de épocas passadas, em seus trabalhos buscaram novos caminhos na arte, em consonância com a época.

O surgimento de construtores de vida, trabalhadores da produção e construtivistas que buscam transformar o mundo na arena trouxe um novo tom para a luta e mudou de acentos. Começando do design na arte, eles almejavam se mover não apenas para o design de novas cidades, roupas, móveis, mas até mesmo o próprio modo de vida humana. Suas ideias eram utópicas. A vida não permitiu que eles se tornassem realidade. Produtores e construtivistas negaram o direito à existência da arte de cavalete tanto na sociedade moderna quanto no mundo futuro que pensavam. Em sua defesa estavam não apenas partidários do realismo, mas também vanguardistas de várias formações. Argumentando contra os oponentes da arte de cavalete, AV Shevchenko vívida e sucintamente formulou suas tarefas: “É agora que a pintura de cavalete pode viver mais do que nunca, pois a pintura de cavalete é uma pintura, não é decoração, nem arte aplicada, nem decoração que é necessária hoje, mas não amanhã.

Uma pintura é um pensamento, você pode tirar a vida de uma pessoa, mas não pode fazê-la parar de pensar. "

É importante notar que com toda a complexidade do confronto e o brilho da rejeição das ideias uns dos outros, as associações e os grupos lutaram na esfera da arte, por si mesma, pela sua vida. Posteriormente, a luta foi movida para além dos limites da arte - para a política. Arte, seu desenvolvimento começou a ser distorcido e direcionado não por um canal natural e foi determinado não pelas necessidades da arte em si, mas por ideias políticas.

A política seguida pelo Estado nos primeiros cinco anos baseou-se no reconhecimento do direito igual de artistas de todas as direções a participarem da criação artística de uma nova sociedade. Isso não só foi divulgado na imprensa, mas também realizado na vida real, como evidenciado pelas aquisições estatais dos melhores representantes de todos os grupos de forma justa. O estado assumiu o papel de único patrono das artes. Completou coleções de museus e organizou exposições. Durante 1918-1919, o departamento de artes plásticas do Comissariado do Povo para a Educação abriu mais de 20 exposições - retrospectivas e modernas, pessoais e coletivas. Eles aceitaram artistas de diferentes direções, desde realistas à extrema esquerda. Esta foi a primeira pesquisa ampla de arte no país.

Desde 1922, o estado organiza exposições internacionais de belas-artes soviéticas, que tiveram grande sucesso em muitos países da Europa e da América, bem como no Japão. Os artistas de Moscou sempre estiveram adequadamente representados lá.

Para conhecer melhor as peculiaridades da vida artística de Moscou nestes anos, é necessário familiarizar-se com a cronologia das exposições de várias associações, das quais também participaram artistas que não fazem parte de um ou outro grupo.

No final de 1917, exibições de associações formadas antes da revolução foram realizadas em Moscou. Alguns deles - "Link", "Criatividade Livre" - deixaram de existir nisso. Outros - "Salão de Moscou", "Valete de Diamantes", Associação de Exposições de Arte Viajantes, "União de Artistas Russos", "Mundo da Arte" - aderiram vida nova e continuou a exibir mais. Logo, formações completamente novas começaram a emergir com base em várias forças unificadoras. Um novo alinhamento de forças foi criado.

Em 1919, a primeira foi a associação de jovens artistas (Obmokhu). Graduados da Vkhutemas, alunos de A.V. Lentulov, A.M. Rodchenko, G. B. Yakulov, eles se propuseram a cumprir ordens de produção socialmente significativas, como pôsteres de filmes, estênceis para pôsteres para combater o analfabetismo, emblemas, etc. s. E também o design de apresentações teatrais, ruas e praças para as festividades. A exposição apresentou tanto composições abstratas quanto estruturas espaciais metálicas. Obmokha organizou quatro exposições, e então muitos de seus participantes começaram a trabalhar no teatro e na indústria gráfica, outros se juntaram às associações recém-organizadas. Os membros desta associação estão representados na exposição pelos irmãos GA e VA Stenberg.

No mesmo 1919, a associação "Tsvetodinamos e primitivismo tectônico" foi exibida. Os alunos A.V. Shevchenko e A.V. Grishchenko no seu trabalho defenderam a necessidade e viabilidade da pintura de cavalete. Pintores interessantes e brilhantes, eles se declararam um fenômeno grave. Mas seu trabalho não é bem conhecido e estudado o suficiente (exceto por líderes notáveis). Em 1923, o grupo organizou uma exposição da Sociedade de Artistas de Cavalete, passando então a constituir a base da associação "Oficina de Pintores", que existiu até 1930. Os membros da associação eram R.N.Barto, N.I.Viting, B.A.Golopolosov, V.V.Kapterev, V.V. Pochitalov, K.N.Suryaev, G.M. Shegal e outros.

Muitas vezes, novas associações eram criadas pelos alunos dos Vkhutemas, uma nova instituição de ensino de arte. Os maiores artistas do país nos primeiros anos pós-revolucionários participaram da reforma da educação artística, atualizando radicalmente o sistema e os métodos pedagógicos. Eles trabalharam nas novas instituições de ensino que criaram, voltadas para a formação de artistas universais. No futuro, eles trabalhariam em vários campos da arte - pintura de cavalete, gráfica, escultura, bem como na impressão, teatro, arte monumental e design. Os conhecimentos adquiridos no instituto possibilitaram a aplicação de seu talento de forma ampla e versátil, como a vida posteriormente demonstrou. O Moscow Vkhutemas foi dirigido por V.A.Favorsky por vários anos. A maioria dos principais professores da Vkhutemas-Vhutein estão representados na exposição: L. A. Bruni, P. V. Miturich, R. R. Falk e outros. Também estão representados os professores das próximas gerações que preservaram as tradições das Artes Superiores em seus trabalhos - P. G. Zakharov, V. V. Pochitalov, I. I. Chekmazov, V. V. Favorskaya.

Moscou sempre foi atraente para os artistas. Permaneceu assim na década de 1920. Houve uma vida artística tempestuosa, muitos mestres de arte destacados trabalharam, instituições educacionais e estúdios privados, museus foram abertos e várias exposições foram organizadas. Os jovens vieram de todo o vasto país, ansiosos por uma educação artística, trazendo um novo rumo à vida cultural da capital. Jovens artistas se esforçaram para se envolver na arte europeia contemporânea, mas as viagens tradicionais ao exterior tornaram-se impossíveis naqueles anos. E para a maioria dos alunos, a principal universidade eram as coleções de novas pinturas russas e ocidentais, que estavam disponíveis apenas em Moscou. Durante a década de 1920, estas coleções foram profundamente estudadas pelos jovens, dando-lhes a oportunidade de se familiarizarem com novas ideias pictóricas e plásticas para enriquecer as suas próprias obras.

Em 1921, um grupo de jovens futuristas - A. A. Vesnin, L. S. Popova, A. M. Rodchenko, V. F. Stepanova, A. A. Exter - organizou uma exposição "5x5 \u003d 25" e, declarando na declaração da arte de cavalete, os artistas passaram à produção. Eles foram guiados pelas ideias de incluir sua criatividade na reorganização do ambiente e da vida, começaram a se envolver na arquitetura, teatro, fotomontagem, mobiliário, vestuário. Novos apoiadores, como V.E. Tatlin e seus alunos, se juntaram aos trabalhadores da produção e suas atividades.

Um novo período na vida do país começou em 1922, após o fim da guerra civil. A vida começou a melhorar, a indústria reviveu, a vida cultural reviveu. Moscou é confirmada como a capital oficial do estado multinacional. De agora em diante, tudo que for significativo na arte e na cultura do país estará de alguma forma conectado a Moscou.

A temporada 1922-1923 foi marcada por uma abundância especial e variedade de exposições.

Foram realizadas exposições da "União dos Artistas Russos", "Mundo da Arte" e da Associação de Exposições Viajantes. Pela primeira vez, os participantes das novas associações "Bytie", NOZH, AHRR, "Makovets" mostraram os seus trabalhos.

A Nova Sociedade de Pintores (KNIF) organizou a única exposição que teve uma resposta pública bem conhecida. Tendo abandonado as buscas não objetivas, jovens artistas, estudantes de V. Ye. Tatlin, K.S. Malevich, A. A. Ester, voltaram-se para temas sociais agudos, usando as técnicas características do primitivismo. A exposição foi recebida de forma ambígua. No tom satírico das obras, os funcionários viram uma paródia da vida soviética. Ao mesmo tempo, alguns críticos notaram o renascimento das imagens e da emocionalidade nas obras dos artistas. A. M. Gluskin, N. N. Popov, A. M. Nurenberg, M. S. Perutsky são membros desta associação. Nos anos subsequentes, muitos deles entraram no Gênesis. Genesis, um grupo de ex-alunos de Vkhutemas, afirmou as tradições da escola de paisagismo de Moscou em seu trabalho. Os animais de estimação de PP Konchalovsky e seguidores do Valete de Ouros se voltaram para a pintura de paisagem realista, esforçando-se para ganhar poder criativo ao se aproximar da terra. Após a formatura, eles foram para uma área pitoresca perto de Moscou e, depois de trabalhar lá durante o verão, arranjaram seu primeiro exibição. A associação existiu até 1930, organizando sete exposições. O "Genesis" incluiu: F. S. Bogorodsky, A. M. Gluskin, V. V. Kapterev, P. P. Konchalovsky, A. V. Kuprin, N. A. Lakov, A. A. Lebedev-Shuisky, SG Mukhin, AA Osmerkin, MS Perutsky, NN Popov, GI Rublev, AS Stavrovsky, SM Taratukhin, AN Chirkov, M. F. Shemyakin e outros.

Art - Life, ou Makovets, uma das associações de arte mais significativas daqueles anos, foi fundada em 1921. Um ano depois, em sua primeira exposição, apresentou um grupo de brilhantes e talentosos pintores e artistas gráficos que, em sua maioria, participaram de mostras dos anos pré-revolucionários, como Mundo da Arte, Salão de Moscou, etc. A composição da associação foi complexa e heterogênea. As forças de cimentação foram a profunda dedicação à arte, em parte a amizade. A associação publicou a revista "Makovets", tendo emitido duas edições. No manifesto publicado "Nosso Prólogo", eles declararam: "Não estamos lutando com ninguém, não somos os criadores de nenhum" ismo ". Chega a hora da criatividade leve, quando a arte renasce em seu movimento infinito, requer apenas a sabedoria simples dos inspirados ”.

"Makovets" afirmou em seu trabalho alto profissionalismo, espiritualidade, continuidade ininterrupta das tradições na arte, indo da antiguidade ao presente através de todas as grandes eras. A arte russa antiga tinha um valor duradouro para eles e uma fonte de ideias artísticas. "Deeper Realism" - esta foi a definição do trabalho deste grupo dada pelos principais críticos. Seu líder era o talentoso artista V.N. Chekrygin, que morreu cedo. "Makovets" organizou três exposições de pintura e uma de arte gráfica. Muitos de seus participantes mais tarde se mudaram para a sociedade "4 Artes", OMH e outros. Seus participantes foram T. B. Aleksandrova, P. P. Babichev, E. M. Belyakova, L. A. Bruni, S. V. Gerasimov, L. F. Zhegin, K. K. Zefirov, K. N. Istomin, N. Kh. Maksimov, VE Pestel, MS Rodionov, SM Romanovich, N. Ya. Simonovich-Efimova, NV Sinezubov, RA Florenskaya, AV Fonvizin, V. N. Chekrygin, N. M. Chernyshev, A. V. Shevchenko, A. S. Yastrzhembsky e outros. Em 1926, um grupo de artistas se separou dele, criando a associação "Caminho da Pintura".

Em 1922, pela primeira vez, a Associação dos Artistas da Rússia Revolucionária (AHRR) apresentou um programa socialmente ativo, desde 1928 a Associação dos Artistas da Revolução (AHR), tendo organizado uma exposição após a outra. AHRR trouxe algo novo para a vida artística. O período inicial em sua atividade teve muitos pontos positivos: a unificação artistas talentosos, criação de filiais em diferentes cidades, organização de exposições itinerantes. O programa AHRR se baseava na tarefa de documentar a realidade revolucionária, mas o realismo monumental heróico que declaravam nem sempre estava incorporado em suas telas. Gradualmente, o documentarismo cotidiano sem asas começou a prevalecer nas obras dos artistas da AHRR-AHR.

Desde o seu início, AHRR lutou pela liderança na vida artística, tentou se tornar o porta-voz do estado, o árbitro do destino da arte. A Associação proclamou a arte como uma arma de luta ideológica. O AHRR-AHR incluiu e participou regularmente em exposições de F. S. Bogorodsky, V. K. Byalynitsky-Birulya, B. A. Zenkevich, B. V. Ioganson, E. A. Katsman, P. I. Kotov, S. M. Luppov, II Mashkov, VN Meshkov, NM Nikonov, AM Nurenberg, VN Perelman, VS Svarog, GM Shegal, K. F Yuon, V. N. Yakovlev. AHRR tinha sua própria editora, oficinas de produção de arte. Tudo isso foi usado para popularizar amplamente a criatividade dos membros da associação em reproduções de grande circulação de pinturas, suas cópias. Freqüentemente, ela recebia subsídios e encomendas do Conselho Militar Revolucionário para organizar exposições. A base técnica e material da AHRR-AHR era incomensuravelmente mais poderosa do que todas as outras associações juntas, colocando os artistas de outros grupos em condições desiguais de vida e trabalho. Essas circunstâncias, e mais importante, as reivindicações da Associação por liderança causaram uma atitude fortemente negativa e oposição de quase todos os grupos pertencentes a um conceito criativo diferente.

No ano seguinte, 1923, os artistas de "Valete de Diamantes" atuaram na "Exposição de Pinturas" por um grupo semelhante em composição não ao período clássico (1910-1914), mas nos anos seguintes. grande associação "Society of Moscow Artists" (OMH).

Na luta das associações de arte "Jack of Diamonds" representado por Drevin, Konchalovsky, Kuprin, Lentulov, Osmerkin, Udaltsova, Falk, Fedorov representou o centro. Todo o espectro de suas ideias, do expressionismo ao primitivismo, continuou a existir tanto nas obras dos próprios membros dessa sociedade quanto em outras associações e agrupamentos.

Em 1923, associações menos significativas também foram exibidas - "Assembleia", "Sociedade de Artistas Escolares de Moscou" e outras.

Em 1924, "1 exposição discutível de associações de arte revolucionária ativa" apresentou o espectador aos graduados de Vkhutemas, que em 1925 se uniram à Sociedade de Cavalheiros (OST) - uma das mais significativas da década de 1920. Artistas A. O. Barshch, P. V. Williams, K. A. Vyalov, A. D. Goncharov, A. A. Deineka, A. N. Kozlov, A. A. Labas, S. A. Luchishkin, Yu I. Pimenov, NA Shifrin, DN Shterenberg - um dos fundadores desta associação, que mais tarde incluiu vários mestres - MM Axelrod, VS Alfeevsky, GS Berendgof, S. N. Bushinsky, M. E. Gorshman, M. S. Granavtsev, E. S. Zernov, I. V. Ivanovsky, S. B. Nikritin, A. V. Shchipitsen, etc.

Em seu programa e trabalho, OST afirmou o valor da pintura de cavalete em um novo sentido, não como um espelho reflexo passivo da realidade, mas como um reflexo criativamente transformado, cheio de pensamento e emoção, um reflexo do ser em sua essência, riqueza e complexidade . Seu conceito incorporou as conquistas da arte de esquerda com uma percepção aguçada de cor, forma e ritmo, com aumento da emocionalidade. Tudo isso correspondia ao novo tema de suas pinturas, paisagem urbana, tema industrial e esportes. Os artistas deste grupo trabalharam muito em teatro, impressão (cartazes, ilustrações). Posteriormente, em 1931, o grupo Isobrigada se separou da OST - Williams, Vyalov, Zernova, Luchishkin, Nikritin.

Em 1925, uma nova associação séria e significativa "4 artes" entrou na arena de exposição, que incluía representantes do "Mundo da Arte", "Associação de Artistas de Moscou", "Rosa Azul", "Makovets" e outros.

o programa de unificação não continha formulações e recursos agudos, distinguindo-se pela contenção. Acima de tudo, o alto profissionalismo acabou sendo o começo comum. Isso levou a uma ampla gama de pesquisas criativas dos artistas incluídos na associação - M.M. Axelrod, V.G. Bekhteev, L.A. Bruni, A.D. Goncharov, M.E. Gorshman, E.V. Egorova, I.V. Ivanovsky, KN Istomin, PV Kuznetsova, AI Kravchenko, NN Kupreyanova , AT Matveeva, VM Midler, VA Milashevsky, PV Miturich, V. I. Mukhina, I. I. Nivinsky, P. Ya. Pavlinova, N. I. Padalitsyn, S. M. Romanovich, N. Ya. Simonovich-Efimova, M. M. Sinyakova-Urechina, A. A Soloveichik, MM Tarkhanov, VA Favorsky e outros. Até 1928, a associação organizou quatro exposições.

Em 1926, pela primeira vez, os escultores de Moscou organizaram uma exposição de escultura, depois formaram a Sociedade dos Escultores Russos (ORS), que exibiu suas obras em quatro exposições.

Nos primeiros anos pós-revolucionários, os escultores de Moscou participaram da implementação do monumental plano de propaganda. Eles instalaram vinte e cinco monumentos na capital, assim como em outras cidades. A maioria deles não sobreviveu, uma vez que a escultura foi feita em um material frágil, e alguns monumentos foram destruídos deliberadamente. Nos anos seguintes, os escultores participaram de várias competições: por um monumento a Karl Marx no campo Khodynskoye em Moscou (1919), "Trabalho liberado", por um monumento a A. N. Ostrovsky em Moscou (1924). Os escultores mostraram o seu trabalho em exposições de várias associações.

S. F. Bulakovsky, A. S. Golubkina, I. S. Efimov, A. E. Zelensky, L. A. Kardashev, B. D. Korolev, S. D. Lebedeva, V. I. Mukhina, A. I. Teneta, IG Frikh-Khar, DA Yakerson - membros do OPC são apresentados nesta exposição com esboços e pequenas obras.

Em 1926, dando continuidade ao processo de criação de novos grupos de artistas, várias associações foram exibidas, como a "Associação de Artistas Realistas" (OHR), - V. P. Bychkov, V. K. Byalynitsky-Berulya, P. I. Kelin, E V. Oranovsky, PI Petrovichev, LV Turzhansky e outros.

O grupo "Caminho da Pintura" se separou de "Makovets". Este interessante, mas pouco conhecido grupo de artistas organizou duas exposições (1927, 1928). Incluiu T. B. Aleksandrova, P. P. Babichev, S. S. Grib, V. I. Gubin, L. F. Zhegin, V. A. Koroteev, G. V. Kostyukhin, V. Ye. Pestel.

Em 1928, um grupo de jovens, alunos de R. R. Falk, organizou uma exposição da sociedade "Crescimento". Inclui: E. Ya.Astafieva, N.V. Afanasyeva, L. Ya.Zevin, N.V. Kashina, M.I.Nedbailo, B.F. Rybchenkov, O. A. Sokolova, P.M. Tolkach, E.P.Shibanova, A.V.Schipitsyn.

Uma das maiores e mais significativas em composição, a Sociedade de Artistas de Moscou (OMH) foi organizada em 1928, incorporando representantes do Valete de Diamantes, Makovets e outras associações que já haviam se desintegrado na época. OMH tinha produção e base técnica próprias. Tendo organizado duas exposições (1928,1929), foi então liquidada, como outras associações. O OMH incluiu artistas: S.V. Gerasimov, A.D. Drevin, K.K. Zefirov, V.P. Kiselev, A.V. Kuprin, P.P. Konchalovsky, B.D.Korolev, A. V. Luntulov, AA Lebedev-Shuisky, N. Kh. Maksimov, II Mashkov, AA Osmerkin, MS Rodionov, SM Romanovich, GI Rublev, S. M. Taratukhin, N. A. Udaltsova, R. R. Falk, G. V. Fedorov, A. V. Fonvizin, V. V. Favorskaya, I. I. Chekmazov, N. M. Chernyshev, A. N. Chirkov, G.M.Shegal, M.F.Shemyakin. Em 1929, foi exibido o "Grupo de Artistas 13" - artistas gráficos e pintores, adeptos criativos que se orientaram pela arte europeia contemporânea e cultivaram em seu trabalho o desenho vivo e a pintura da natureza, captando a realidade viva, mutável, sua fugacidade. O surgimento desta associação foi bem recebido pelo público. Mas os artistas tiveram a chance de experimentar plenamente os ataques da crítica hostil e vulgarizante dirigida contra as tendências de esquerda e qualquer apelo à arte ocidental. "13" realizou duas exposições (1928, 1929). Este grupo incluiu D. B. Daran, A. D. Drevin, L. Ya.Zevin, S. D. Izhevsky, Nina e Nadezha Kashin, N. V. Kuzmin, Z. R. Lieberman, T. A. Mavrina, VA Milashevsky, MI Nedbailo, SN Rastorguev, BF Rybchenichkov, AF Sofronova, RM Semash NA Udaltsova. Em 1930, foram criadas as associações "Outubro" e "União dos Artistas Soviéticos". O "outubro" incluiu A. A. Daineka, G. G. Klutsis, D. S. Moor, A. M. Rodchenko, V. F. Stepanova.

A "União dos Artistas Soviéticos" foi fundada pelos artistas V.K. Byalynitsky-Birulya, KS Eliseev, PI Kotov, MV Matorin, AA Plastov, VS Svarog, VN Yakovlev e outros. A associação teve uma exposição (1931).

Na virada das décadas de 1920 para 1930, a ideia de criar uma federação de grupos criativos começou a ser desenvolvida de forma persistente. Uma das tentativas foi a Associação Russa de Artistas Proletários (RAPH), que incluiu AHR, OMAHR e OXS. A Federação das Associações de Artistas Soviéticos (FOSKh), que surgiu em 1931, incluía AHR, RAAP, OHK, MAKHR, OMH, ORS, OST, Isobrigada e PIU. FOSKh organizou uma "exposição anti-imperialista" dedicada ao dia internacional do vermelho.

Em 1932, acontecem as últimas mostras de associações criativas de artistas.

No final da década de 1920, as aparições na imprensa mudaram dramaticamente seu caráter, a vulgarização cada vez mais penetrou nas páginas de muitas revistas, como The Brigade of Artists, For Proletarian Art e outras. Artistas e figuras culturais foram submetidos a críticas atrevidas e acusações políticas foram feitas contra eles indiscriminadamente e sem razão.

Essas acusações culturais estavam diretamente relacionadas às mudanças políticas no país. Em 1927-1928, um novo estilo totalitário de liderança na vida do país começou a se desenvolver e o aparato burocrático stalinista estava ativamente tomando forma. Uma nova estética normal foi formada, de acordo com a qual as figuras da arte e da cultura foram atribuídas ao papel de ilustradores daquelas posições ideológicas expressas diretamente por Stalin e sua comitiva. Os artistas tiveram que participar da propaganda das idéias do partido, sem deixar de responder aos fenômenos atuais da vida. Tudo isso se aplica não apenas à arte de propaganda de massa com sua reação dinâmica aos acontecimentos da realidade, mas também à arte de cavalete. Assim, os artistas foram privados do direito a uma compreensão individual profunda e criativa da realidade, seus problemas espirituais, para expressar seus pensamentos e sentimentos. Começaram a organizar exposições temáticas como "Anti-álcool", "A arte do terceiro ano decisivo do plano quinquenal", etc. Para tais exposições, os artistas tiveram de criar obras o mais rapidamente possível.

Quanto às exposições temáticas dedicadas a quaisquer fenômenos, eventos, aniversários específicos, trata-se de uma descoberta dos anos 1920. Os primeiros a organizá-los foram membros da AHRR, por exemplo, "Da Vida e da Vida dos Trabalhadores e Camponeses do Exército Vermelho" e "A Vida e da Vida dos Trabalhadores" (1922), depois as exposições dedicadas aos aniversários do Exército Vermelho, que se tornou tradicional. Para seu 10º aniversário, o Conselho Militar Revolucionário desenvolveu o tema das obras e firmou convênios com as artistas. Importante para o desenvolvimento da arte soviética foi a exposição "Arte dos Povos da URSS" organizada em 1927 por GAKhN, na qual o trabalho de muitas nacionalidades do país foi amplamente apresentado.

No final da década de 1920, esboços e esboços da natureza, retratos de trabalhadores e camponeses, garimpeiros e pescadores aparecem em exposições. Eles foram o resultado de viagens de artistas de viagens para estudar a vida do país. Os artistas receberam um farto material para a criatividade, conheceram os processos de produção nas fábricas e minas, nos campos e na pesca artesanal. Conhecemos pessoas interessantes. Mas com genuína dedicação criativa, os artistas não poderiam usar esse material. A programação ideológica já começou a afetar - para ver e representar o belo, livre de conflitos, vida feliz.

Desde meados da década de 1920, processos negativos no campo da cultura e da arte tornaram-se cada vez mais evidentes em Moscou. Eles começaram a apertar, ou mesmo simplesmente destruir as instituições culturais. Um por um, os museus proletários foram liquidados. O primeiro Museu da Nova Pintura Ocidental foi encerrado e o seu edifício transferido para os departamentos militares. A casa da Galeria das Flores, construída especialmente para o museu, foi doada para habitação, apesar do pedido da Galeria Tretyakov. O Museu Público de Moscou e Rumyantsev foi fechado com a transferência de suas instalações e coleção de livros para a Biblioteca da URSS em homenagem V.I. Lenin. E as coleções pictóricas e gráficas, como as coleções de outros museus extintos, foram transferidas para o Estado Galeria Tretyakov e o Museu Estadual de Belas Artes em instalações apertadas e superlotadas, principalmente em depósitos. Em 1928, o Museu da Cultura Pitoresca foi liquidado. Tudo isso não poderia deixar de afetar da maneira mais negativa a vida artística do país e de Moscou nos anos subsequentes. Os museus não foram apenas uma escola essencial para os artistas, mas também desempenharam um papel importante na formação de um novo público. Os museus de Moscou eram variados em caráter, coleção e escala. Gradualmente, eles passaram por unificação e padronização, sua vigorosa atividade foi posteriormente introduzida em uma estrutura rígida determinada por funcionários das artes. A liquidação de museus e outras atividades culturais alienou deliberadamente o povo da arte genuína e da alta cultura.

Em 23 de abril de 1932, o Comitê Central do Partido Comunista dos Bolcheviques de toda a União adotou uma resolução "Sobre a reestruturação das organizações literárias e artísticas", que dissolveu todas as associações artísticas e foi substituída por uma nova organização - a União dos Artistas Soviéticos com estrutura e gestão homogêneas, semelhantes a qualquer aparato burocrático padrão para fiscalizar as atividades dos artistas e cumprir ordens de cima. Um dano especialmente grande foi feito a Moscou, onde o espírito de liberdade, independência e diversidade dos mais diversos fenômenos era inerente à vida espiritual desde tempos imemoriais.

Os anos 1930 são os anos mais trágicos da vida do nosso povo. Chegava a hora da falta de espiritualidade. Por um pesado rolo ideológico, tudo na cultura foi esmagado e equalizado, trazido à uniformidade. De agora em diante, tudo deve obedecer às diretrizes administrativas descendentes de cima, que os oficiais das artes furiosamente introduziram na vida.

Desde o final dos anos 1920, as repressões arrebataram artistas individuais, agora eles atacaram figuras culturais com força ainda maior. Muitos artistas morreram nos acampamentos e suas obras desapareceram sem deixar vestígios nas entranhas do aparato investigativo. A exposição apresenta as obras de artistas que foram submetidos à repressão - A.I. Grigoriev, A.D. Drevin, A.K. Vingorsky, L.L. Kvyatkovsky, G.I.Klyunkov, G.D. Lavrov, E.P. Levina-Rozengolts, ZI Oskolkova, NM Oskolkova, PFipovsky, NI Padalevichsky, AA PFipovsky, , EV Safonova, MK Sokolova, Ya. I. Tsirelson, A.V.Schipitsyn.

Na arte, atividades e gêneros de prestígio social começaram a ser incentivados: uma pintura temática feita em estrita conformidade com os regulamentos ideológicos, retratos de membros do governo, líderes de partidos, etc.

O entusiasmo dos trabalhadores em construir uma nova vida foi despertado no país por todos os meios. Da mesma forma, foi explorado o entusiasmo de artistas e artistas, que, nos fracos brotos do novo, ansiavam por ver o futuro feliz do país e de toda a humanidade, prometido na tribuna pelo líder do partido. Eles buscaram incorporar esses sonhos em suas obras, retratando uma vida feliz fictícia, sem olhar para a vida real das pessoas. As exposições foram dominadas por telas cheias de falso pathos, conteúdo falsificado, divorciado da vida, brilhando com adereços recém-pintados. Na sociedade, mitos fantásticos surreais sobre a felicidade universal e o bem-estar do povo começaram a nascer e artificialmente criados sob a sábia liderança do partido e de seu líder.

O presente e o passado do país, sua história, seus heróis foram distorcidos. Ocorreu um processo de deformação da personalidade, uma nova pessoa, uma engrenagem em uma máquina, desprovida de necessidades espirituais individuais, foi “forjada”. Os mandamentos da alta moralidade humana foram obstruídos pela pregação da luta de classes. Tudo isso teve consequências trágicas para a arte e a cultura do país.

A natureza das exposições em Moscou na década de 1930 mudou dramaticamente. As performances irrepetíveis e distintas de grupos e artistas individuais, imbuídas com a energia de descobertas criativas, foram substituídas por exposições amorfas como "outono", "primavera", exposições de paisagem, empreiteiros, artistas femininas, etc. Certamente houve trabalhos talentosos. No entanto, não foram eles que deram o tom, mas sim os "verificados ideologicamente", ainda que não suficientemente artísticos. Ainda foram realizadas exposições temáticas. Entre eles, exposições significativas e interessantes foram: "Artistas da RSFSR por 15 anos" (1933), ainda amplamente abordada no período anterior, bem como "A Indústria do Socialismo" (1939).

A maioria das obras para grandes exposições foi realizada por encomenda do Estado. A luta pela ordem e, portanto, pelo reconhecimento, pelo bem-estar material, assumiu formas terríveis. Já o “mecenato” estatal transformou-se em tragédia para muitos artistas talentosos que não aceitavam a direção oficial da arte e os ditames do órgão governante, a tragédia da excomunhão do espectador, a partir do reconhecimento de sua obra.

Muitos artistas tiveram que levar uma vida dupla, realizando trabalhos por encomenda de acordo com "receitas" regulamentadas, e para si próprios em casa, secretamente de todos, para trabalhar livre e desinibidamente, não exibindo seus melhores trabalhos e sem esperar a oportunidade de exibi-los . Seus nomes saíram das páginas dos catálogos das exposições por muito tempo. T. B. Alexandrova, B. A. Golopolosov, T. N. Grushevskaya, L. F. Zhegin, A. N. Kozlov, V. A. Koroteev, G. V. Kostyukhin, E. P. Levina-Rozengolts, MV Lomakina, VE Pestel, IN Popov, MKSokolov, MMTarkhanov e outros, tendo abandonado a arte semi-oficial, trabalhavam de forma independente, privados de oficinas, ordens e às vezes de fundos para a existência, famintos, mas livres em sua vontade criativa. Isolados da sociedade e até uns dos outros, desunidos, só eles realizaram sua façanha criativa. Eles ganhavam a vida ensinando, trabalhando na indústria de impressão, teatro, cinema, trazendo alto profissionalismo, bom gosto e habilidade para qualquer área de atividade.

As obras de artistas oficialmente reconhecidos na maioria das vezes acabavam em museus e decoravam o interior de instituições oficiais de vários níveis. Não existem tais trabalhos nesta exposição. As obras dos artistas que abandonaram a encomenda ficaram em casa durante muitos anos.

Essas pinturas, via de regra, não são grandes, não são feitas nas melhores telas, com tintas da mais alta qualidade. Mas eles respiram vida verdadeira, têm um encanto duradouro, carregam uma grande experiência espiritual de seu tempo. Eles expressam a perspectiva complexa e às vezes trágica de uma geração inteira, não externamente, não descritivamente, mas por todos os meios de arte genuína. Se o conteúdo das pinturas da direção oficial é direcionado para um futuro feliz desconhecido, contornando os dias atuais, verdadeiros artistas mostraram a verdadeira vida de seus contemporâneos naquele pesado clima de falta de liberdade, perseguição, e não no prometido paraíso de felicidade futura do mundo. Revelaram o heroísmo cotidiano de superação de inúmeras dificuldades, humilhações, desumanidades, afirmaram os verdadeiros valores - bondade e amor ao próximo, fé, fortaleza.

As paisagens de K. N. Istomin, V. A. Koroteev, A. I. Morozov, O. A. Sokolova, B. F. Rybchenkov são líricas, industriais, urbanas, repletas de sentimentos profundos, reflexões filosóficas. Mesmo as naturezas mortas de M. M. Sinyakova-Urechina, A. N. Kozlov, I. N. Popov são surpreendentemente interessantes e trazem pensamentos sobre o destino e o tempo. O retrato é o mais notável e significativo no trabalho de E.M.Belyakova, D.E. Gurevich, L. Ya.Zevin, K.K. Zefirova, E.P. Levina-Rozengolts, A.I. Rubleva, R.A. Florensky, muitos muitos outros mestres. Estes são principalmente retratos de pessoas próximas, parentes. Geralmente, transmitem a sensação de um contato profundo entre o retrato e o artista. Às vezes, eles abrem as camadas internas da vida espiritual com grande poder. Freqüentemente, os artistas daqueles anos se voltaram para assuntos bíblicos. Talvez tenham tentado compreender a época e seus feitos através do prisma dos valores humanos universais (LF Zhegin, SM Romanovich, MK Sokolov).

Nos últimos anos, as obras destes, outrora artistas não reconhecidos oficialmente, foram apresentadas em várias exposições. Saindo do underground, eles deixaram de lado as imagens do plano oficial, graças à alta perfeição artística, à poderosa energia espiritual que neles se esconde, ao senso de verdade que despertam no espectador. Estas são as obras dos artistas R.N.Barto, B.A.Golopolosov, A.D. Drevin, K.K. Zefirov, L.F. Zhegin, K.N. Istomin, M.V. Lomakina, A.I. Rubleva, GI Rublev, NV Sinezubova, N. Ya. Simonovich-Efimova, NA Udaltsova, AV Shchipitsova, NA Udaltsova, AV RA Florenskaya e outros.

esta exposição fornece muito material para reflexão, levanta muitos problemas que requerem pesquisas mais detalhadas. Também levanta a questão mais importante sobre o futuro destino da arte de Moscou como um todo. Moscou, uma potente geradora de ideias artísticas, uma escola de arte e pedagogia, um centro museológico do país, atualmente não tem a oportunidade de se apresentar diante do público em toda sua riqueza e integridade. Durante muitos anos enriqueceu incansavelmente o país, reabastecendo museus de todas as regiões com as obras dos seus artistas, dando tudo, sem deixar nada para si. Existem muitos desses artistas, cujas criações se dispersaram completamente em diversos museus do país e não estão representados de forma alguma na capital.

As obras expostas nesta exposição são o material que pode servir de base para a criação do Museu de Arte de Moscou. Este é seu fundo potencial. Mas ele pode desaparecer sem deixar rastros, disperso em vários depósitos de museus e coleções particulares. Moscou precisa cuidar da criação de seu próprio museu e fazê-lo imediatamente.

L. I. Gromova